MET Gala 2026: del arte al disfraz, la edición más superficial y polémica de la gala de Anna Wintour. Imagen: @ysl
Marcada por la polémica en torno a Jeff Bezos y bajo el tema «Costume is Art», la MET Gala ha dejado una alfombra roja dominada por referencias literales y una notable falta de riesgo creativo, en lo que se puede interpretar como una respuesta silenciosa, y ambigua, de la industria
La MET Gala este año no fue simplemente una noche de moda, fue, antes que nada, un evento atravesado por una tensión externa que condicionó su lectura incluso antes de que comenzara. La implicación de Jeff Bezos y Lauren Sanchez en el ecosistema del evento, en términos de financiación y presencia, reactivó críticas que llevan años acumulándose en torno a su figura. No solo por un tema de riqueza extrema, sino por lo que representa: una concentración de poder, influencia cultural y vínculos con estructuras políticas controvertidas en Estados Unidos.
Entre ellas, el debate en torno a las políticas migratorias y organismos como el ICE (Immigration and Customs Enforcement), asociados a prácticas duramente cuestionadas en materia de derechos humanos. Por ejemplo, solo en lo que llevamos de año, este sistema ha experimentado un crecimiento de más del 75% en detenciones, alcanzando alrededor de 73.000 personas retenidas simultáneamente. A ello se suma un ritmo de deportaciones que supera las 30.000 al mes, y una estructura en la que más del 90% de los centros de detención están gestionados por empresas privadas, lo que refuerza la dimensión económica detrás del sistema migratorio.
Y es ahí donde la contradicción se hace imposible de ignorar. Porque una gala que se vende como celebración del arte y la cultura, no debería de estar sostenida por estructuras de poder económico y político que cuestiona constantemente el propio discurso cultural.
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En ese contexto, el tema «Costume is Art» parecía una oportunidad. Una ocasión para que la moda respondiera desde la inteligencia, desde la crítica o desde la complejidad. Pero lo que ha ocurrido fue otra cosa.
La mayoría de los asistentes optaron por una estrategia segura: referencias evidentes, traducciones directas, decisiones que no incomodan ni arriesgan. Pinturas convertidas en vestidos, esculturas replicadas en siluetas, archivo histórico reproducido sin apenas intervención. Por lo que empieza a surgir una lectura cada vez más extendida dentro del análisis de la gala: ¿y si esta falta de profundidad no es casual?
Lo que se percibe no es únicamente realmente una carencia de interpretación, sino una cierta renuncia al riesgo conceptual que históricamente ha definido los momentos más relevantes de la MET Gala. En lugar de utilizar el tema como punto de partida para expandir el lenguaje de la moda, gran parte de las propuestas parecen haberlo reducido a una excusa visual, casi decorativa. Esto no solo empobrece el discurso del evento, sino que también evidencia una tensión más profunda entre lo que la gala dice ser y lo que finalmente muestra.
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En ese marco, resulta especialmente llamativo el contraste entre la magnitud económica que rodea el evento y la ligereza conceptual de algunas decisiones estéticas. Un ejemplo especialmente comentado ha sido el de Lauren Sánchez, cuya aparición ha sido leída por parte de la crítica como una desconexión evidente entre el contexto de lujo extremo del evento y la ausencia de una lectura conceptual sólida del tema.
La lectura que se impone es bastante clara, y lo que ha ocurrido en esta edición se percibe, en conjunto, como una forma de boicot indirecto al propio concepto de la gala. No porque exista una estrategia organizada o explícita, sino porque la suma de decisiones estéticas transmite una misma idea. Porque cuando una industria creativa responde a «Costume is Art» con soluciones tan literales, lo que hace es evitar deliberadamente cualquier nivel de interpretación más complejo. Y en un contexto como el de esta edición, marcado por la controversia en torno a Jeff Bezos, esa falta de implicación deja de parecer casual.
Aun dicho esto, no se trata de una ausencia total de referencias, sino de cómo se han utilizado, como si el objetivo no fuese reinterpretar el arte, sino simplemente ilustrarlo de la forma más inmediata posible. Por lo tanto, la idea de boicot puede aparecer como un efecto acumulado: una gala donde, sin decirlo abiertamente, se ha decidido no arriesgar, no tensionar el concepto y no llevar la propuesta más allá de lo evidente.
Sin embargo, dentro de esta lectura general, también es necesario matizar que no todo responde a la misma lógica. Porque aunque gran parte de la gala se ha movido en la literalidad, ni siquiera eso, sí ha habido propuestas que han entendido el tema como un punto de partida para explorar el propio lenguaje de la moda.
Emma Chamberlain apareció de la mano de Mugler bajo la dirección de Miguel Castro Freitas, en un vestido pintado a mano por Anna Deller-Yee. La pieza, en línea con el legado de Thierry Mugler, convierte el cuerpo en una superficie pictórica.
Aquí la propuesta no parte de una obra concreta, ya que podemos ver referencias de «la Quimera», un diseño presentado en 1997, sino la idea del cuerpo como soporte artístico. Además, el vestido funciona casi como una extensión directa de la pintura, donde el gesto manual sobre el tejido refuerza la sensación de pieza única, cercana al arte aplicado.
Yu Chi Lyu Kuo, con Jean Paul Gaultier, apostó por la construcción. El uso de plegado, volumen y técnica conecta con diseñadores como Issey Miyake o Hussein Chalayan, donde la moda se acerca a la arquitectura. Por lo que más que una referencia visual, aquí el diseño se entiende como estructura. Además, la alusión a la Victoria de Samotracia no funciona como imagen decorativa, sino como lógica de movimiento y fragmentación del cuerpo, trasladando la idea de escultura al patrón del vestido.
Janelle Monáe, vestida por Christian Siriano, llevó la propuesta al terreno performativo: mariposas en movimiento, transformación y tecnología en una pieza que evoluciona sobre el cuerpo en tiempo real.
Uno de los momentos más cargados de referencias fue el de Madonna, con Saint Laurent de Anthony Vaccarello. Su propuesta se vincula directamente con la obra de Leonora Carrington y, en concreto, con «La tentación de San Antonio».
Esta obra es clave dentro del surrealismo ya que representa la lucha constante entre la carne y lo espiritual, entre el deseo y la trascendencia. Por lo que trasladar esto a la moda implica más que reproducir formas, implica capturar ese estado de inestabilidad.
Otro de los conjuntos más comentados fue el de Kim Kardashian, que llevó una pieza creada junto al artista Allen Jones y el estudio Whitaker Malem. El trabajo parte de moldes corporales originales de finales de los años 60, transformando el torso en una especie de escultura rígida, pintada a mano, directamente vinculada al imaginario del pop art británico.
Además, este tipo de imaginarios visuales dialogan indirectamente con el cine de Stanley Kubrick, especialmente en su manera de construir cuerpos como elementos fríos, casi deshumanizados dentro del encuadre.
Sam Smith, con Christian Cowan, apostó por el volumen y la dramatización del cuerpo.
Anok Yai, en Balenciaga, recuperó el look número 47 de la colección otoño-invierno 1949/50 de Cristóbal Balenciaga. Pero más allá de la fidelidad histórica, lo interesante también es cómo se ha reinterpretado desde el presente, y cómo el maquillaje ha introducido una lectura de virgen dolorosa, añadiendo una dimensión simbólica y emocional que conecta con iconografía religiosa clásica.
Sabine Getty apareció con Ashi Studio en un diseño inspirado en la pintura europea del siglo XVIII. El trompe l’oeil convierte el cuerpo en lienzo, fusionando superficie pictórica y silueta. Es una propuesta técnicamente cuidada, pero que refuerza la idea dominante de la gala: la traslación directa del arte al vestido.
Isha Ambani, con Gaurav Gupta en colaboración con Swadesh, entendió el vestido no como una pieza aislada, sino como un sistema narrativo completo en el que conviven artesanía, archivo y memoria cultural. Su look se construye desde la superposición de capas: técnicas tradicionales como el zardozi o el bordado a mano, motivos pictóricos inspirados en frescos antiguos y una construcción textil que transforma el sari en una superficie casi museística.
En esta misma línea, Karan Johar, vestido por Manish Malhotra, llevó una propuesta construida a partir de la pintura clásica india, tomando como referencia directa el universo visual de Raja Ravi Varma, uno de los artistas más influyentes del siglo XIX en la representación pictórica de la aristocracia y la mitología del país.
Y por último, Louisa Jacobson, vestida por Dilara Findikoglu, que se aleja ligeramente de la referencia directa, pero que construye a su vez un universo propio a partir del exceso barroco y la dramatización del cuerpo femenino como lenguaje estético autónomo.
Por lo tanto, la MET Gala 2026 no se ha definido tanto por lo que se ha mostrado, sino por lo que ha evitado arriesgar. Y en un contexto ya atravesado por la polémica de Jeff Bezos y lo que su presencia simboliza dentro del ecosistema del evento, la falta de ambición conceptual parece que se ha vuelto aún más evidente.
¿El resultado? Una edición correcta en lo formal, pero limitada en lo discursivo, es decir, una gala donde el arte sí estuvo presente como referencia, pero rara vez como un lenguaje.
Eneko Méndez @enekomndez
Imágenes: Instagram
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