Editorial de moda icónica con estética dorada y dramatismo urbano que redefine el glamour clásico contemporáneo. Imagen: @sfpmagazine
De los estudios clásicos a la era digital, la fotografía de moda no se limita a documentar la ropa, sino que se ha convertido en el filtro principal a través del cual vemos la moda, marcando cómo se presenta, qué imágenes funcionan y generando estéticas propias que, casi sin darnos cuenta, acaban influyendo en cómo vestimos y en cómo leemos cada década
Si hay un lenguaje que hoy articula la moda más allá de la pasarela, ese es la fotografía. Mucho antes de que una prenda llegue a la calle, si es que alguna vez lo hace, ya ha sido interpretada, contextualizada y, en muchos casos, reinventada por la mirada de un fotógrafo/fa.
La moda contemporánea no se entiende sin la fotografía, que es la forma en la que muchas ideas que nacen en la pasarela acaban siendo visibles, comprensibles y situadas en la vida real. En un mundo lleno de imágenes, la fotografía de moda no es solo un medio de difusión, sino el espacio donde la ropa realmente acaba teniendo sentido.
El desfile sigue siendo el núcleo conceptual, el momento fundacional de cada colección por supuesto, pero es en la imagen donde ese universo se expande y se vuelve comprensible para el público. Es habitual que, cuando alguien ajeno a la industria ve un diseño de pasarela más extremo o poco convencional, aparezca la misma pregunta: «¿Quién se pondría esto en la calle?» Y la respuesta no se encuentra tanto en la funcionalidad de las prendas, sino en la narrativa visual que se construye entre fotógrafos, estilistas, directores de arte y modelos, y que acaban definiendo cómo se viste fuera del circuito de lujo. Es ese engranaje el que dota de coherencia y emoción a propuestas que, de otro modo, podrían parecer ajenas.
Además, a lo largo de las décadas, esta disciplina ha evolucionado en paralelo a los cambios sociales, económicos y culturales. Esto se traduce en que cada época ha tenido su estética dominante, su manera de representar el cuerpo, el lujo, el género o incluso la revolución. Desde el glamour pulido de mediados del siglo XX hasta la crudeza digital actual, la fotografía de moda ha sido tanto un reflejo como un motor de transformación. Y esa mutación constante, es la que nos ha permitido entender la moda como un lenguaje que nunca deja de cambiar.
En los años 20 y 30, Else Ernestine, conocida como Yva, ya estaba construyendo un lenguaje visual que hoy reconoceríamos como editorial. Trabajaba en Berlín con revistas como Die Dame, donde realizaba editoriales de moda y publicidad combinando fotomontaje, iluminación teatral y composiciones experimentales propias de la Nueva Visión alemana. Su estudio se convirtió en uno de los más importantes de la ciudad en el periodo de entreguerras. En 1938 fue obligada a cerrar su negocio tras la llegada del régimen nazi y más tarde deportada y asesinada durante el Holocausto. Su archivo se ha recuperado posteriormente como una de las bases de la fotografía de moda moderna europea.
Después de la guerra, Irving Penn redefinió la fotografía editorial en Vogue, donde trabajó durante más de seis décadas. A finales de los años 40 empezó a trabajar con fondos neutros, esquinas cerradas y una iluminación muy controlada, eliminando cualquier contexto que distrajera de la pieza. Esto le llevó a realizar en París en 1950 una serie de editoriales de alta costura en las que fotografiaba vestidos de Dior o Balenciaga sin escenografía ni narrativa añadida, lo que reforzaba la atención en la forma, los materiales y la construcción de las prendas. A partir de ahí desarrolló también sus conocidos Corner Portraits, una serie de retratos realizados en esquinas de estudio que publicó en Vogue y que terminaron consolidando una estética muy reconocible en la industria.
En paralelo, Richard Avedon rompió completamente con esa quietud. Su editorial Dovima with Elephants (Harper’s Bazaar, 1955) es una de las imágenes más reproducidas de la historia de la moda. Este mismo lenguaje lo llevó en los años 60/70 a Vogue y Harper’s Bazaar, introduciendo movimiento, emoción y narrativa dentro del estudio. En los años 80 firmó varias campañas como la de Calvin Klein con Brooke Shields (1980), donde la fotografía de moda entró en un diálogo directo con la cultura pop y la publicidad global.
En los 70 y 80, Helmut Newton, pupilo de la fotógrafa alemana Yva, transformó la estética editorial de Vogue París y Elle. Su serie Big Nudes (1980), expuesta posteriormente en instituciones como el MoMA, redefinió la representación del cuerpo en la moda. Sus editoriales combinaban lujo, arquitectura, poder y sexualidad. Además, campañas para marcas como Yves Saint Laurent: Rue Aubriot (1975) o Le Smoking (1975), consolidaron una estética que combinaba ropa de alta costura con escenarios urbanos nocturnos, interiores de hoteles o espacios arquitectónicos fríos.
Por otro lado, Corinne Day cambió el lenguaje de la fotografía de moda desde un lugar completamente opuesto al glamour dominante de finales de los 80. Su editorial de 1993 con Kate Moss para The Face, titulada The Third Summer of Love, se realizó en la casa de la modelo en Londres con luz natural, sin estilismo elaborado y con una cámara que priorizaba lo espontáneo frente a la pose construida. Este trabajo rompe con la estética de estudio pulido que dominaba publicaciones como Vogue, y abre una línea visual que medios y revistas empezaron a denominar heroin chic, una estética que también aparece en campañas de Calvin Klein de mediados de los 90, que no solo se definía por cuerpos muy delgados y una apariencia desmaquillada, sino también por una conexión visual con la cultura nocturna y el ambiente de los 90.
En esa misma etapa, Steven Meisel construye uno de los lenguajes editoriales más influyentes de la industria a través de Vogue Italia. Es el responsable de la mayoría de portadas de la revista durante décadas. Dentro de sus editoriales más reconocidas se encuentran series como Makeover Madness (Vogue Italia, 2005), donde explora la transformación física extrema a través del maquillaje y la caracterización, o Make Love Not War (2006), donde introduce una narrativa más política dentro de la moda. Además, su Black Issue de 2008, con todas las modelos exclusivamente negras, se convirtió en un fenómeno global con reimpresión inmediata por demanda. A la vez, también firmó proyectos como el libro Sex de Madonna (1992), uno de los fotolibros más comentados de la cultura pop.
Ya en los 2000, desde el Londres underground, Nick Knight cambió la forma de producir y consumir imagen con la creación de SHOWstudio en 2000, una plataforma digital que no solo publicaba editoriales, sino que abría los procesos de creación en tiempo real mediante retransmisiones, entrevistas y sesiones fotográficas en directo. Entre sus primeros proyectos destacan Project Angel (2001) o The Catwalk (2000-2005). En paralelo, mantiene una relación creativa constante con Alexander McQueen, documentando desfiles clave como Plato’s Atlantis (2009), marcando un punto de inflexión en la relación entre moda y tecnología.
En este mismo recorrido, Tim Walker desarrolla un lenguaje basado en la construcción de escenarios físicos a gran escala, convirtiendo la fotografía casi en una producción teatral. En sus editoriales para Vogue UK, como The Story Teller (2012) o The Garden (2015), levantó decorados completos dentro de estudio o en localizaciones naturales transformadas, donde el espacio tenía tanto peso como el propio estilismo. Esta forma de trabajar se amplía en proyectos personales como su libro Tim Walker: Story Teller (2012) o su exposición Wonderful Things en el Victoria and Albert Museum (2019), consolidando su trabajo dentro de un diálogo entre fotografía de moda, escenografía y práctica artística contemporánea.
En la última década, tenemos a Petra Collins, que ha desarrollado una estética muy reconocible dentro de la cultura visual digital, marcada por el uso del flash, la piel sin retocar y una narrativa cercana a lo íntimo y lo cotidiano. Su trabajo editorial aparece en publicaciones como Teen Vogue, Dazed y i-D, donde ha firmado series como Coming of Age o 24/7, en las que retrata la adolescencia y la feminidad desde una mirada más personal que comercial. Además de su trabajo editorial, ha dirigido campañas para Gucci como Gucci Bloom (2017) o trabajado con Selena Gomez en la dirección visual de Fetish. Parte de este trabajo se recoge en su fotolibro Coming of Age, por si os interesa.
Y hoy, Carlijn Jacobs se sitúa como una de las figuras más representativas de la fotografía de moda contemporánea, trabajando de forma habitual con firmas como Chanel, Prada o Acne Studios. Su trabajo se caracteriza por el uso de sets hipercontrolados, fondos irreales y una manipulación visual que elimina la idea de «fotografía documental» para acercarse más a una imagen construida desde lo digital. Entre sus trabajos más reconocidos destaca la portada del álbum Renaissance (2022) de Beyoncé, una imagen que circuló ampliamente en medios como Vogue, The New York Times y Rolling Stone, y que consolidó su estética dentro de la cultura visual global.
Y, por supuesto, este recorrido sólo rasca la superficie. La fotografía de moda está llena de nombres que han ampliado constantemente su lenguaje, desde Malick Sidibé o Samuel Fosso en el contexto africano, hasta Daido Moriyama en Japón, o figuras europeas como Karl Lagerfeld y Hedi Slimane, que también han trabajado desde la cámara además del diseño. A esto se suman autores contemporáneos que cruzan disciplinas como Juergen Teller o el dúo Mert & Marcus, además de diseñadores como Thierry Mugler, que entendieron la imagen como parte inseparable de su universo creativo.
La lista podría seguir casi sin final, porque la fotografía de moda ya no pertenece a una sola disciplina, sino a un ecosistema compartido.
Eneko Méndez @enekomndez
Imágenes: Instagram
