L’Amar presenta «Desertores» en la 080 Barcelona Fashion 2026, una colección que fusiona moda masculina, memoria histórica y referencias al patrimonio artístico español. Imagen: @080barcelonafashion
De la memoria histórica de L’Amar a la adolescencia provocadora de Outsiders Division, la 38.ª edición de la pasarela barcelonesa ha reunido propuestas que exploran la identidad, el deseo y nuevas formas de entender el diseño
La 080 Barcelona Fashion cerró su 38.ª edición el pasado 23 de octubre, después de cuatro jornadas de desfiles en el Port Vell. El calendario reunió firmas consolidadas, diseñadores emergentes y propuestas internacionales en una edición donde la experimentación convivió con la artesanía, la reutilización de materiales y la revisión de los códigos tradicionales de la indumentaria. Más que una dirección estética común, lo que dejó la pasarela fue una sucesión de maneras diferentes de entender qué puede contar una prenda y cómo puede construirse.
Entre las propuestas más interesantes estuvieron las que encontraron un argumento detrás de sus decisiones creativas. L’Amar miró a la Guerra Civil española para hablar de la protección del patrimonio artístico; Outsiders Division utilizó la adolescencia para explorar el deseo y la identidad; Aleixandri Studio cuestionó la representación de los cuerpos y las convenciones sociales; y PAT EQUILUX reflexionó sobre las vidas que imaginamos y nunca llegamos a vivir. En otros casos, el punto de partida fue la investigación textil o el propio funcionamiento de la industria, a través de proyectos que exploran nuevos materiales y la reutilización de prendas.
Con Desertores, Nacho Lamar, diseñador zaragozano y fundador de L’Amar, traslada a la pasarela un episodio de la historia española que permite observar el patrimonio artístico desde otra perspectiva. La colección toma como referencia la protección y evacuación de obras de arte durante la Guerra Civil, cuando conservar el legado cultural implicaba asumir riesgos en medio de la destrucción. El planteamiento introduce una cuestión que va más allá de la reconstrucción histórica. ¿Qué significa proteger la belleza cuando el contexto parece negarle cualquier prioridad?
La colección responde poniendo el foco en quienes contribuyeron a salvaguardar obras fundamentales del patrimonio español. La cultura aparece como algo que merece conservarse, incluso cuando las circunstancias obligan a desplazar otras preocupaciones. La elección de este episodio resulta significativa para una firma de moda. En lugar de utilizar el pasado como un repertorio de siluetas antiguas, L’Amar parte de una situación concreta para construir un discurso sobre la memoria y la responsabilidad.
Esta aproximación también permite ampliar la conversación sobre la moda masculina. Las prendas pueden transmitir una idea sin convertirse necesariamente en una reproducción literal de la época que las inspira. La colección utiliza el diálogo con la historia del arte para explorar cómo el diseño puede incorporar referencias culturales y traducirlas en un lenguaje contemporáneo. En una industria acostumbrada a hablar de novedades, Desertores recuerda que crear también puede consistir en mirar hacia aquello que ya existe y preguntarse por qué merece seguir formando parte de nuestra memoria.
La colección Groomed and Horny, de David Méndez Alonso, parte de una idea que encaja con el universo de Outsiders Division, pero introduce un cambio significativo: imaginar qué sucede cuando los personajes de la marca crecen y entran en una adolescencia ficticia. La inocencia y el humor que han caracterizado sus colecciones empiezan a convivir con el deseo, la curiosidad por el cuerpo y la experimentación con distintas identidades.
La propuesta recorre la sastrería, las formas babydoll y los códigos universitarios, combinando elementos que normalmente pertenecen a universos distintos. También incorpora referencias a la cultura nocturna y a una sensualidad más explícita, que convive con el imaginario lúdico de la firma. No se trata únicamente de contraponer prendas infantiles y adultas, sino de mostrar cómo una identidad cambia cuando aparecen nuevas formas de relacionarse con el cuerpo y con los demás.
Esa evolución es lo que hace que la propuesta resulte interesante dentro de la trayectoria de la marca. Outsiders Division ha construido buena parte de su lenguaje a partir de una estética que mezcla referencias preppy, cultura pop, humor y una imaginación deliberadamente alejada de la sobriedad. En esta ocasión, esa fórmula se encuentra con una cuestión más compleja: crecer significa descubrir cosas nuevas, pero también enfrentarse a contradicciones que no siempre encajan con la imagen que uno tenía de sí mismo.
La colección no abandona el juego para adoptar una estética adulta convencional. Lo transforma. La provocación se incorpora al universo de la marca sin eliminar su sentido del humor, mientras que las referencias juveniles adquieren un significado diferente al convivir con códigos sexuales. El resultado plantea que madurar no tiene por qué equivaler a renunciar a la fantasía ni a adoptar una forma única de vestir. También hay una cuestión de identidad de marca detrás de esta decisión. Un universo creativo tan reconocible necesita evolucionar sin perder aquello que lo distingue. Groomed and Horny amplía los códigos de Outsiders Division y los lleva hacia un terreno más provocador sin renunciar a su carácter narrativo.
Con CIRCA, Marc Aleixandri convierte la pasarela en un espacio para cuestionar quién decide qué cuerpos, identidades y formas de vestir se consideran aceptables. El diseñador, nacido en La Ràpita, trabaja con una estética teatral y provocadora que utiliza la indumentaria para abordar la representación de la diferencia. La colección recupera dos universos con una relación compleja con la mirada del público: los freak shows, espectáculos que exhibían a personas consideradas diferentes, y la cultura club kid, vinculada a las escenas nocturnas que utilizaron el vestuario y la transformación corporal para desafiar las convenciones sociales.
La conexión entre ambos permite leer CIRCA desde una pregunta concreta: ¿qué ocurre cuando aquello que históricamente se ha señalado como extraño se convierte en una forma de expresión elegida? La respuesta aparece en una construcción visual que recurre a la corsetería, las referencias a la ortopedia victoriana y los códigos de la cultura club. Son elementos que modifican la relación habitual entre ropa y cuerpo. La corsetería estructura la silueta; las referencias ortopédicas evocan mecanismos de sujeción y corrección; y la teatralidad transforma el acto de vestirse en una forma de representación.
La elección resulta especialmente interesante porque la moda ha participado históricamente en la definición de lo que se considera un cuerpo correcto, elegante o deseable. Desde las estructuras interiores que moldeaban la silueta hasta los códigos contemporáneos de belleza, vestirse nunca ha sido una práctica completamente ajena a las normas sociales. CIRCA recupera algunos de esos mecanismos y los desplaza hacia un territorio donde la diferencia no necesita disimularse. El exceso funciona como una estrategia para interrumpir la mirada convencional. Las prendas reclaman espacio, construyen personajes y hacen visible una identidad que no busca adaptarse a los límites de la normalidad. Es así como el cuerpo deja de ser un soporte pasivo para convertirse en parte activa de la propuesta.
En Vidas no vividas, Patricia Fernández Iñesta trabaja con una idea más íntima: todas las versiones de nosotros mismos que imaginamos, pero que nunca llegamos a ser. La colección parte de la memoria, las decisiones y los caminos descartados para explorar la distancia entre la vida que proyectamos y la que finalmente construimos.
El concepto podría haberse quedado en una reflexión nostálgica, pero PAT EQUILUX lo lleva al terreno de la indumentaria mediante una combinación de sastrería depurada, volúmenes envolventes y referencias militares. Las chaquetas de inspiración napoleónica destacan por su capacidad para convertir la estructura de la prenda en un elemento expresivo. Sus referencias históricas no funcionan como una reconstrucción de época, sino como un punto de partida para trabajar con la autoridad, la presencia y la manera en que una silueta puede modificar la percepción del cuerpo.
La sastrería desempeña aquí un papel fundamental. Sus líneas estructuradas suelen asociarse con el control, la disciplina y la construcción de una imagen pública; al introducirlas en una colección centrada en las vidas imaginadas, la diseñadora establece un contraste entre la forma exterior y el mundo interior. La materialidad refuerza esa lectura. PAT EQUILUX incorpora suprarreciclaje de excedentes textiles locales, dando un nuevo uso a materiales que ya existen en lugar de depender exclusivamente de tejidos producidos para la colección. Esta decisión modifica las condiciones desde las que se diseña y obliga a trabajar con recursos disponibles, reinterpretándolos dentro de una nueva propuesta.
La conexión entre concepto y proceso resulta especialmente sugerente. Si las vidas no vividas representan posibilidades que no desaparecen del todo, los materiales recuperados también conservan una historia previa. El diseño los incorpora a otra construcción, les asigna una función diferente y abre una nueva posibilidad de uso. La colección destaca también porque no plantea la sostenibilidad y la emoción como dos asuntos separados. Vidas no vividas invita a mirar hacia aquello que no ocurrió sin convertirlo necesariamente en una pérdida: también puede ser una forma de reconocer las posibilidades que todavía quedan por explorar.
Anaïs Vauxcelles ha encontrado en Paprika, la película de animación de Satoshi Kon estrenada en 2006, el punto de partida para la colección de 404 Studio. La película explora la relación entre los sueños y la realidad, y esa mezcla de universos sirve a la diseñadora para construir una propuesta en la que la imaginación no funciona como una simple referencia estética, sino como una herramienta para hablar de la identidad.
La colección contrapone tonalidades saturadas y combinaciones intensas con otras superficies más contenidas. Lo relevante no es la presencia aislada de determinados colores, sino el contraste entre dos registros visuales: uno asociado a la libertad de los sueños y otro más cercano a la estructura de la vida cotidiana. Así es como la ropa se convierte así en un medio para expresar la distancia entre las aspiraciones personales y la persona en la que uno termina convirtiéndose.
La referencia cinematográfica también permite entender la relación entre moda e imagen. El universo de Satoshi Kon no se caracteriza únicamente por una estética concreta, sino por la facilidad con la que altera las fronteras entre lo real y lo imaginado. Trasladar esa lógica a una colección exige algo más que reproducir sus colores o sus personajes: requiere construir prendas capaces de mantener una tensión semejante.
La colección Chapter 6, de Javier Aparici, aborda la migración y la pérdida del lugar de origen a través de una investigación material que conecta con el propio concepto de la propuesta. La ropa aparece como uno de los objetos que pueden acompañar a una persona cuando debe abandonar su entorno, conservando recuerdos y vínculos con una vida anterior.
Esta idea se traslada a las prendas mediante formas envolventes y superficies orgánicas que sugieren protección y transformación. La colección incorpora biotextiles y procesos experimentales de innovación textil, estructuras rectas, tejidos de seda, fajines de piel sintética, y procesos que remiten a patrones celulares y a materiales en desarrollo.
La relación entre material y concepto es especialmente relevante en un momento en el que la sostenibilidad se ha convertido en una de las palabras más utilizadas por la industria. Investigar alternativas textiles puede contribuir a reducir determinados impactos, pero su interés creativo también depende de cómo esos materiales se integran en una prenda y de qué posibilidades ofrecen al diseñador. En SOHUMAN, las superficies y las siluetas ayudan a construir una imagen de adaptación. La ropa parece funcionar como un refugio que cambia con quien la lleva, en lugar de actuar como una estructura fija.
La quinta edición de 080 REBORN, con Nòmade, desarrollado por el estudio Fermín&Gilles, también sitúa la reutilización en el centro del proceso creativo. La colección se construye a partir de prendas recuperadas de tiendas de segunda mano, entidades sociales, mercados vintage y circuitos de reutilización textil.
Aquí la transformación no se limita a una reflexión conceptual: es el punto de partida del diseño. Las prendas existentes se convierten en material de trabajo y permiten construir una colección sin depender de la fabricación de un conjunto completamente nuevo de piezas. La selección, la combinación y la reinterpretación determinan el resultado tanto como lo harían la elección de un tejido nuevo o el desarrollo de un patrón.
Este enfoque permite cuestionar una asociación muy arraigada entre moda y novedad. Una prenda no pierde necesariamente su capacidad de expresión porque ya haya pertenecido a otra persona. Su historia previa puede aportar texturas, formas y particularidades que serían difíciles de reproducir mediante una fabricación convencional. Dicho esto, la reutilización no resuelve por sí sola el impacto ambiental de la industria, pero sí demuestra que el diseño puede trabajar con recursos existentes y generar valor a partir de ellos.
Más allá de estas propuestas, la edición ha reunido universos creativos muy distintos que merecen formar parte de la misma conversación: desde la experimentación de Acceptance Letter, Antonio Acuario, Crypta, GAU y Nathalie Chandler, hasta las propuestas de Bibencia, Compte Spain, David Catalán, Dominnico, Escorpion, Guillermina Baeza, Inma Linares, O’Barret, SKFK, Surkana y Custo Barcelona, junto a Benavente. Cada firma aporta su propia manera de entender la indumentaria, ya sea desde la artesanía, la construcción de siluetas, la cultura pop, la funcionalidad o la reutilización textil.
En resumen, lo que deja esta 38.ª edición de 080 es una imagen de la moda contemporánea mucho más compleja que la de una pasarela dedicada a anticipar tendencias. Cada firma parte de una inquietud diferente, pero todas demuestran que el diseño puede sostener una idea y desarrollarla a través de la ropa.
También es significativo que estas aproximaciones no respondan a una única estética nacional. La moda española no necesita definirse mediante un repertorio limitado de referencias ni construir una identidad uniforme para resultar reconocible. Su riqueza reside en la convivencia de lenguajes, trayectorias y métodos de trabajo distintos, desde las marcas que llevan años desarrollando un universo propio, hasta los diseñadores que encuentran en la experimentación una forma de abrirse camino.
Es por eso que la 080 ofrece un espacio para que esas diferencias se encuentren y puedan leerse en conjunto. Además, su importancia no depende únicamente de la presencia de nombres consolidados o de la proyección internacional que pueda alcanzar una firma concreta, sino de su capacidad para dar visibilidad a propuestas que merecen atención por sus propios méritos creativos.
Eneko Méndez @enekomndez
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