Todo sobre la primera mitad de París Fashion Week SS27. Imagen: cortesía de Chloé
De la protesta de Matières Fécales al nuevo Dior de Jonathan Anderson, pasando por el oro de Saint Laurent, el regreso de Maison Margiela y la experimentación de Anrealage: estas son algunas de las historias que están definiendo París antes de que llegue su recta final
París todavía no ha terminado. La Fashion Week de París de SS27 continúa hasta el próximo 6 de octubre, con 68 desfiles y 34 presentaciones programados por la Fédération de la Haute Couture et de la Mode. Pero después de varios días de calendario ya hay suficientes imágenes, debuts y nuevas colecciones como para empezar a entender qué está ocurriendo en la capital francesa.
Esta primera parte de la semana está dejando una mezcla especialmente interesante: nuevas generaciones que empiezan a ganar espacio, directores creativos que intentan encontrar su propia voz dentro de casas históricas y diseñadores que recurren al archivo no para reproducirlo, sino para discutir con él. Entre todos esos movimientos, algunos desfiles han conseguido convertirse en los grandes puntos de conversación.
Hannah Rose Dalton y Steven Raj Bhaskaran, el dúo detrás de Matières Fécales, eligieron la Place de la République para presentar «The 99 Percent» La localización ya funcionaba como una declaración: uno de los espacios más reconocibles de París cuando se trata de manifestaciones, concentraciones y expresión política se convirtió durante unas horas en una pasarela.
El título hacía referencia directa a la idea de mayoría frente a élite. La propuesta reunió a 99 modelos racializados y articuló el desfile en tres capítulos: Family, Tribe y Gods. La ropa volvió a moverse dentro del universo radical que caracteriza al dúo canadiense, entre sastrería, cuero, transparencias y una estética deliberadamente extrema. Pero aquí el casting y el espacio eran tan importantes como las prendas.
Y entonces apareció Rihanna. La cantante llegó 63 minutos después de la hora prevista, pero su presencia terminó convirtiéndose en uno de los momentos más comentados del desfile. La imagen de Rihanna en la Place de la République terminó de llevar la propuesta desde la conversación especializada de la moda hasta el circuito cultural más amplio.
Matières Fécales consiguió así algo especialmente complicado dentro de una Fashion Week dominada por las grandes maisons: que una firma independiente se convirtiera en uno de los primeros grandes acontecimientos de París.
Si Matières Fécales abrió París desde la provocación, Julie Kegels lo hizo desde la investigación. La diseñadora belga, ganadora del LVMH Prize 2026, presentó una colección construida alrededor de una idea tan sencilla como compleja: la gravedad. Después de meses en los que su nueva posición dentro de la industria había aumentado considerablemente el peso de las expectativas, Kegels decidió convertir precisamente ese concepto de peso en una herramienta creativa.
Las prendas parecen caer, suspenderse o acumular peso. Hay pantalones con proporciones extremas, tejidos suspendidos sobre el suelo, tops de lentejuelas construidos únicamente a partir de sus contornos y prendas de organza en las que pigmentos y lentejuelas se desplazan hacia abajo a medida que caminan las modelos.
La colección incluso convierte el movimiento en parte del diseño. El peso no es algo que la ropa tenga que esconder: se vuelve visible.
Kegels representa además una de las historias importantes de esta edición: la consolidación de una nueva generación de diseñadores que ya no necesita esperar años para ocupar un lugar central en la conversación de París. Su victoria en el LVMH Prize y su inmediato regreso a la pasarela muestran hasta qué punto el circuito está buscando nuevos lenguajes.
Después llegó uno de los desfiles más esperados de la semana: Dior. Jonathan Anderson continúa construyendo su relación con la maison y, SS27, vuelve a uno de los puntos fundamentales de su historia: el New Look de 1947. Pero no lo hace mediante una reconstrucción literal. Anderson parece interesado en quitar peso a esa silueta.
La Bar aparece desestructurada, las faldas pierden parte de su rigidez y las transparencias, el chiffon, la organza, las flores y los plisados convierten una de las siluetas más reconocibles de la moda del siglo XX en algo mucho más ligero. El resultado es una conversación entre archivo y presente. Anderson no está intentando demostrar que conoce el lenguaje de Dior; eso ya está asumido. Lo interesante es descubrir qué ocurre cuando empieza a alterar sus reglas.
También aparecen referencias a la naturaleza y a formas asimétricas, mientras los accesorios y los objetos que acompañaban la invitación introducían una reflexión sobre el movimiento y la manipulación de los objetos. Es probablemente uno de los grandes procesos que habrá que seguir durante esta temporada: el paso de Jonathan Anderson en Dior a Dior bajo Jonathan Anderson.
Si Dior mira al archivo para construir el futuro, Saint Laurent utilizó el suyo para crear una colección que parecía mirar hacia atrás y, al mismo tiempo, hacia el final de una etapa. Anthony Vaccarello celebró sus diez años al frente de la maison con una colección dominada por el oro. Trench coats, vestidos de noche, faldas lápiz, encajes y brocados aparecieron bajo una iluminación dorada que convertía el desfile casi en una instalación.
Pero el oro no era una elección arbitraria. Yves Saint Laurent mantuvo durante décadas una relación muy particular con este color. Lo utilizó repetidamente en sus colecciones y, en 1991, una presentación de prêt-à-porter Rive Gauche terminó con una sucesión de modelos vestidas de dorado.
La referencia adquiere otra lectura al observar el resto del desfile de Vaccarello: la música de Ascenseur pour l’échafaud, las referencias cinematográficas, las flores oscuras y la aparición final de Charlotte Gainsbourg interpretando una canción relacionada con Yves Saint Laurent. Todo apuntaba a una despedida. Y, si finalmente se tratara de una despedida, el oro habría sido una manera especialmente apropiada de cerrar una década.
Otro de los regresos importantes de esta edición ha sido Maison Margiela, que vuelve al calendario parisino después de haber presentado su colección anterior en Shanghái. La casa regresa además con Glenn Martens, que está empezando a definir qué significa dirigir Margiela después de haber trabajado con algunos de los códigos más radicales de la moda contemporánea. Y precisamente por eso su SS27 resulta interesante.
Después de dos propuestas especialmente teatrales, Martens decidió reducir la intensidad y concentrarse en los códigos esenciales de la casa. La deconstrucción sigue presente, pero aparece de una forma más controlada: prendas que alteran ligeramente su construcción, proporciones desplazadas y materiales que juegan entre lo duro y lo blando.
También aparecen flores de inspiración sesentera, brocados y siluetas más accesibles, combinados con recursos que remiten directamente al lenguaje de Margiela, como las cintas de algodón que sujetan y transforman las prendas.
La colección demuestra que la deconstrucción no tiene por qué ser sinónimo de espectáculo. En esta ocasión, Martens parece estar intentando averiguar hasta dónde puede llevar los códigos de la casa sin convertirlos en una caricatura de sí mismos. Es un movimiento importante: después del impacto inicial de su llegada, empieza ahora la fase realmente difícil, la de construir una identidad sostenida.
En Tom Ford, el relevo creativo también está empezando a adquirir una identidad propia. Haider Ackermann presentó su SS27 en París trabajando sobre uno de los códigos fundamentales de la casa: la seducción. Pero en lugar de reproducir literalmente el Tom Ford de los años noventa y dos mil, Ackermann lo lleva hacia su propio territorio.
La sastrería aparece relajada y combinada con prendas de punto, cuero, seda y bañadores. Los trajes se llevan con el torso desnudo, las prendas de noche incorporan aberturas y transparencias y los códigos tradicionalmente asociados a la sensualidad masculina y femenina empiezan a mezclarse.
La colección también juega con una idea muy Tom Ford: convertir la ropa privada en ropa pública. Batas de seda, prendas que parecen salir directamente del dormitorio y siluetas de noche conviven con una sastrería perfectamente construida.
Ackermann no parece interesado en borrar la identidad de la casa, sino en preguntarse qué significa hoy la seducción que Tom Ford convirtió en una de sus principales herramientas. El resultado conserva el glamour, pero introduce una cierta relajación y, sobre todo, una voluntad de experimentar con él.
Los relevos creativos también atraviesan Dries Van Noten, donde Julian Klausner continúa construyendo la etapa posterior a la retirada del fundador.
Para SS27, Klausner mira hacia el Hollywood clásico y convierte antiguos carteles de películas en estampados para trench coats, vestidos lenceros y otras prendas. Los títulos ficticios de esas películas, «Lacquer and Lace», «Vipère» o «Ruffle Her Feathers», forman parte del juego. La colección mezcla glamour y cotidianidad. Hay vestidos de inspiración lencera, americanas bordadas, faldas estampadas, camisetas y accesorios más relajados.
Lo importante, sin embargo, está en otra parte: Klausner empieza a dejar de ser simplemente «el sucesor de Dries Van Noten». Su trabajo empieza a adquirir referencias propias y una manera particular de interpretar el lujo, el color y la narración.
En Chloé, Chemena Kamali continúa haciendo algo aparentemente sencillo pero mucho más complejo de lo que parece: recuperar el ADN de la casa sin convertirlo en una pieza de museo.
Para SS27 vuelven la broderie anglaise, el encaje, la lencería, los vestidos fluidos y las siluetas bohemias. También aparecen referencias western, abrigos de inspiración utilitaria y accesorios que amplían ese universo. La clave está en que el boho no aparece aquí como una tendencia pasajera. En manos de Kamali se convierte en una herramienta para reconstruir la identidad de Chloé.
Después de varias temporadas en las que la moda ha vuelto a mirar hacia los años setenta y hacia la feminidad relajada, Kamali está consiguiendo que ese lenguaje vuelva a sentirse específicamente Chloé.
Pocas firmas tienen una relación tan constante con la experimentación tecnológica como Anrealage. Kunihiko Morinaga lleva años utilizando tecnología, luz y materiales para conseguir que las prendas cambien delante del espectador. En París ya ha presentado piezas que reaccionaban a la luz ultravioleta, vestidos con LED o tejidos que alteraban su apariencia. Para esta temporada, la colección se titula Skin y parte precisamente de la idea de una superficie que se desprende, se renueva y vuelve a escribirse.
La imagen central es el fénix de Phoenix, la obra de Osamu Tezuka, utilizado como símbolo de transformación y renacimiento. La colección convierte así la piel en una metáfora de la propia moda: una superficie que nunca permanece completamente igual.
Además, Anrealage celebra este año su 25º aniversario con un proyecto especial en París Fashion Week, «Just An Realage», desarrollado junto a Sarah Andelman y construido alrededor de un alfabeto de 26 objetos que repasan diferentes obsesiones de la marca.
Y ayer, 1 de octubre, Balenciaga presentó la nueva propuesta de Pierpaolo Piccioli en París Fashion Week continuando una investigación que ya empieza a convertirse en uno de los pilares de su etapa en la casa.
La idea central es unsized: prendas que no parten de una talla rígida, sino que se ajustan al cuerpo mediante cintas, volumen y diferentes sistemas de construcción. Es una idea especialmente interesante para Balenciaga porque vuelve a una de las cuestiones históricas de la casa: cómo construir una silueta a partir de la relación entre tejido y cuerpo.
Piccioli combina esa investigación con materiales ligeros y prendas capaces de transformarse, mezclando elementos cotidianos con recursos propios de la alta costura. En lugar de imponer una silueta única, la ropa empieza a adaptarse a quien la lleva.
Después de esta primera parte, hay una conclusión que sí parece clara: esta París Fashion Week está hablando constantemente de legados.
Del legado de Christian Dior en manos de Jonathan Anderson. Del de Yves Saint Laurent en Anthony Vaccarello. Del de Martin Margiela en Glenn Martens. Del de Dries Van Noten en Julian Klausner. Del lenguaje de Tom Ford reinterpretado por Haider Ackermann. Del ADN bohemio de Chloé recuperado por Chemena Kamali. Y de la experimentación tecnológica que Kunihiko Morinaga lleva un cuarto de siglo desarrollando en Anrealage.
Al mismo tiempo, nombres como Julie Kegels están demostrando que París también sigue siendo un espacio para que aparezcan nuevas voces.
Pero todavía queda mucho por ver. La París Fashion Week continúa hasta el 6 de octubre y las próximas jornadas todavía guardan algunos de los desfiles más esperados de la temporada. Por eso este no es un balance definitivo. Es solamente una primera fotografía de París: una ciudad en la que, por ahora, la pregunta no parece ser únicamente qué veremos la próxima temporada, sino qué harán los nuevos diseñadores con las historias que han heredado.
¿Qué te está pareciendo esta edición de París Fashion Week?
Enero Méndez @enekomndez
Imágenes: cortesía de las marcas e Instagram
