Las composiciones de Rankin están influenciadas tanto por la experiencia personal - un viaje por carretera, acampar bajo el cielo nocturno o fragmentos de conversaciones -, como por su tan apreciado universo, donde se encuentran diagramas cartográficos, cosmológicos o genéticos, entre otros.

Así, comenzando con lo que ella llama “un acto decisivo”, una frase o imagen en particular, estos elementos se desarrollan orgánicamente, creando mapas expansivos de paisajes salpicados de códigos, signos y símbolos que hacen referencia a los procesos de memoria, intuición e interpretación. 'An Everywhere of Light', la exposición individual que inaugura hoy -y hasta el 12.02.2022- en la galería carlier | gebauer de Madrid (Calle de José Marañón, 4), es un claro ejemplo de ello. Nos lo cuenta en esta entrevista en exclusiva para el número FW21 de Vanidad:

Retrato de Jessica Rankin

Jessica, naciste en Sydney pero actualmente vives y trabajas en Nueva York. ¿De qué manera la influencia artística y cultural de la ciudad de los rascacielos repercute en tu savoir faire artístico?

Nací en Australia y eso, claramente, ha tenido una gran influencia en mí y en mi trabajo. Los primeros recuerdos del espacio, el lugar y el entorno impregnan los trabajos que hago. En particular, la geografía de Australia, la amplitud del cielo, los colores del arbusto que todavía existen en mis obras.

Venir a Nueva York a los 20 años fue revolucionario. De repente, estar expuesto a una gran diversidad de voces, influencias, formas de existir en el mundo, formas de comprometerse con la creación artística... Fue y sigue siendo una fuente de inspiración, un desafío y un cambio constante. Me inspiran mis amigos y otros artistas, ya sean cantantes de cabaret, bailarines, poetas o académicos, pero también me inspira la energía y el movimiento de la ciudad.

Perspectivas de la exposición

¿Cómo sueles desarrollar tus ‘mapas mentales’ en términos generales? Cuéntanos más sobre estos puntos de partida a los que tú misma llamas ‘actos decisivos’...

Después de darle vueltas en mis bordados durante años, finalmente di el salto a la pintura. Estas nuevas obras son pinturas con pasajes bordados o bordados con grandes áreas de pintura. En ellos juego y extraigo el potencial expresivo de ambos, tanto del hilo como de la pintura. Intento no imponerme reglas o rutinas al hacer estos trabajos.

A menudo comienzan con una pintura rápida e intuitiva, otras veces hecha en el suelo y seguida de una respuesta bordada... En algunos casos siguen siendo muy simples -un gesto pintado y un gesto bordado en conversación entre sí- y en otros, la superposición y la ida y venida  entre las dos técnicas, se vuelve cada vez más compleja, terminando con muchas capas de marcas pintadas, bordadas y entretejidas. Cada una evoluciona de forma única y específica.

Tus composiciones están influenciadas por la experiencia personal, pero también por asuntos universales como las constelaciones … ¿qué consigues al conectar algo tan íntimo como tus propias vivencias, con la universalidad del cielo?

Siempre he dibujado, pintado y me he comprometido con el mundo natural en muchos sentidos, pues considero que todas mis obras son una especie de paisaje pintado.

También me fascina la forma en la que las personas y culturas de todo el mundo han desarrollado a lo largo del tiempo su sentido de sí mismos y de su gente, entretejiendo sus narrativas y mitologías personales con los paisajes a su alrededor. Es un impulso muy humano: contar historias, mitificar y dar significado al entorno de cada uno.

Were we more like trees? Sending out seed signals on a breeze (2021, acrílico y bordado)

¿Siempre has sentido ese afán por vincular lo que haces con el universo?

Durante muchos años estructuré mis trabajos bordados a gran escala en torno a mapas de constelaciones nocturnas. Cada constelación que usé era un mapa de un día específico e importante para mí.

Trabajar con ese formato me dio una estructura física para contener el trabajo y también un contexto y un lugar para la creación de marcas gestuales más intuitivas.

Ya que la menciones, ¿qué papel juega en ti y en tus obras la intuición?

La intuición es fundamental para mi trabajo. Más allá de un sentimiento general de lo que quiero hacer, no planifico mis obras antes de hacerlas y es a través del proceso de crear cuando entiendo lo que estoy haciendo. Sin embargo, la intuición puede ser un término algo engañoso, ya que implica una especie de falta de pensamiento o planificación.

Para mí la intuición no existe en el vacío. Crece con los años, después de décadas de leer, mirar, pensar, hacer, fallar, tener éxito y perfeccionarme en lo que es más importante o central para mi trabajo. La intuición debe ir acompañada de una especie de dominio propio y autoconocimiento junto con el conocimiento de la mano y una mente inconsciente para que tenga éxito.

Rain Dreamed From Sounds_THKC (2021, acrílico, bordado y lino)

El interés por la poesía surrealista y concreta también se hace evidente en tus obras. ¿Contribuye en él el hecho de que tu madre y tu madrastra sean poetas?

¡Soy una verdadera amante de la poesía! Por supuesto, la poesía era importante y venerada en mi casa mientras crecía y estoy segura de que eso me influenció, pero también estuve muy cerca de varios poetas maravillosos y emocionantes cuando tenía 20 años, cuyo trabajo me afectó igualmente.

Ahora mismo estamos viviendo en una especie de Edad de Oro para la poesía en los Estados Unidos. En mi caso, he hecho numerosas colaboraciones con poetas. Es más, recientemente todas mis pinturas y dibujos incluyen versos de poesía de poetas cuyo trabajo leo y amo.

Para crear tus composiciones te apropias de métodos artesanales como el bordado o la costura. ¿Cómo de importante es para ti ampliar las posibilidades del lenguaje artístico y desterrar la connotación doméstica y femenina de estas y otras prácticas?

Cuando comencé a usar el bordado como una técnica a los 20 años pensé en él como un material simbólico -uno que hablaba de ciertas ideas que tenía sobre el papel de lo femenino o lo doméstico-. Pero en muchos sentidos mi forma de pensar evolucionó rápidamente.

Es cierto que siempre contendrá esa información inicial, pero me interesé en el potencial expresivo del hilo como tal. Con el tiempo he explorado el bordado como una técnica muy parecida a la pintura, viendo exactamente hasta dónde podía empujarlo en ciertas direcciones como, por ejemplo, haciendo que una línea trazada lentamente parezca un gesto “rápido” o descuidado.

Al hacer pinturas que contienen tanto expresiones pintadas como bordados, he continuado explorando la jerarquía de los materiales y el significado inherente a ellos. ¿Qué significa hacer un gesto expresivo y luego recrearlo perfectamente en hilo? ¿Tiene un significado diferente? ¿Es el mismo gesto? ¿Cuál de los dos es el “auténtico”? ¿Y qué pasa cuando se invierte el proceso? ¿Cuándo la pintura comienza a comportarse como hilo? Estas preguntas están entretejidas en mi trabajo y son tan divertidas como serias.

Thus the light of the sun (2021, acrílico, bordado y lino)

Este año has estado en la White Cube de Londres con una exposición individual llamada ‘La nostalgia por el infinito’. ¿Cómo afecta a tu proceso creativo el lugar donde trabajas?

Al planificar una exposición definitivamente pienso en el contexto de la exposición: ¿cómo será el espacio de exposición?

¿Cuál es su tamaño? ¿Qué relaciones podrá tener la obra en ese espacio? A veces tengo una visión de cómo quiero que las obras se asienten en el espacio y trato de capturar eso al trabajar en ellas. Pero al final, cuando se trata de hacer el trabajo, debes seguir a lo que te lleve. Hay un elemento de azar en mi proceso que me encanta  porque me mantiene siempre alerta.

Acabas de inaugurar tu exposición individual en la galería Carlier Gebauer de Madrid. ¿Qué nos quieres contar de ella?

Hice este trabajo mientras el mundo volvía a la “normalidad”. Las pinturas fueron las primeras que se hicieron en mi nuevo estudio, en el Bronx, después de haber trabajado en menor escala durante mucho tiempo, así que estaba nerviosa por volver a hacer de nuevo pinturas a gran escala.

Al hacer la obra también estaba pensando en un viaje transformador que hice a Madrid y Barcelona hace un par de años. Viajé con un amigo que es artista y pintor y nos recorrimos el Prado, el museo Picasso de Barcelona, la Sagrada Familia, la Fundació Miró… Todas esas experiencias han estado conmigo desde entonces y, definitivamente, se han abierto camino en el trabajo de la exposición.

¿Estás trabajando en algún otro proyecto del que nos puedas hablar?

Mi próxima exposición después de Carlier Gebauer será en París, en 2022, con White Cube.

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Anna Alarcón: @_annalarcon

Imágenes: Cortesía de la artista y de la galería Carlier Gebauer ©Trevor Good